Mit ihrer Band Jungle befinden sich die beiden Briten Tom McFarland und Josh Lloyd-Watson seit knapp eineinhalb Jahrzehnten auf der Überholspur. Ihr neues Werk „Sunshine“ katapultiert sie diese Woche in die Wiener Stadthalle, der Hype um die Soul-Funk-Disco-Band kennt kein Ende. McFarland erklärt uns im „Krone“-Talk, was die Band ausmacht, wie sie sich verändert haben und warum man nicht aufhört, positiv zu sein.
„Krone“: Tom, ihr spielt momentan in den größten Hallen eurer Bandgeschichte und feiert unheimliche Erfolge. Wie fühlt sich dieser Sprung nach oben an und wie aufregend ist es, all das mitzuerleben?
Tom McFarland: In Europa unterwegs zu sein ist ohnehin immer toll. Ich liebe die USA, aber Europa ist am Livesektor eine ganz andere Nummer. Allein schon, dass man morgens in einer neuen Stadt den Tourbus verlässt, durch die Stadt läuft, öffentliche Verkehrsmittel, viel Grünflächen, einen guten Kaffee und schöne Architektur hat, ist ein absoluter Gewinn. Wir waren jetzt seit dem letzten Tour-Leg auch einmal ein paar Tage zu Hause, um unsere Familien zu besuchen und den Kindern begreifbar zu machen, dass sie noch immer einen Vater haben. (lacht)
Da fühlt man sich doch gleich wieder lebendig.
Lebendig, weil man überlebt hat. Die Pausen sind momentan kurz, aber diese Europatour wird großartig und schlafen kann ich später auch noch.
Vor zwei Jahren habt ihr ein famoses Open-Air-Konzert in der Metastadt in Wien gespielt und euch auf das damals neue Album „Volcano“ fokussiert. Diesen Sommer erschien „Sunshine“ und in die Wiener Stadthalle bringt ihr auch die großen Hits von früher mit. „Sunshine“ hat sich klanglich auch sehr stark von „Volcano“ wegbewegt und traut sich eine eigene Atmosphäre zu. Eine Erfolgsformel zu verändern ist immer sehr mutig – aber ist das für euch auch notwendig?
Wir lieben das. Die Leute sagen alle, wir hätten unsere musikalische Formel verändert, aber wir selbst sehen das gar nicht so. Von einem philosophischen Standpunkt aus gesehen haben wir genau darauf geachtet, warum etwa ein Song wie „Back To 74“ bei den Fans so gut ankam. Unsere Conclusio war: Wir haben den Track beim Komponieren geliebt und hatten überhaupt keine Erwartungen in einen Erfolg gesteckt. Hättest du uns damals gefragt, welche Songs auf „Volcano“ am ehesten Hits werden könnten, wir hätten mit „Candle Flame“ oder „Us Against The World“ geantwortet, aber Erfolg hatte der Song, mit dem meisten Soul und der größten Bedeutung. Uns hat das gelehrt, dass wir Hits nicht jagen brauchen. Wenn wir mit unseren Songs happy sind und sie gut klingen, dann geben wir sie raus und warten ab, was damit passiert. Wir sind an einem Punkt in unserer Karriere angelangt, wo wir eine organische, natürliche Zugangsweise schätzen. Die Drums, der Bass – alles ist sehr ursprünglich gehalten auf „Sunshine“. Das Album hat eine menschliche Energie und das übersetzt sich hervorragend in unser Publikum.
Ist diese Form der menschlichen Energie umso wichtig, wo die KI langsam, aber sicher den kompletten Markt überschwemmt und die Musikwelt vernebelt?
Ich denke schon. Nicht nur bei uns selbst, sondern auch unter unseren Freunden, Musikpartnern und den Fans haben wir längst gespürt, dass alle nach etwas Echtem und Greifbarem gieren - nach etwas Realistischem. Wir leben heute in einer Welt, wo du selten noch zu 100 Prozent sagen kannst, ob etwas real ist oder nicht. Wir haben Acts, die die Grenzen zwischen menschlich und maschinell ausgelotet haben, immer respektiert. Air, Moby oder Daft Punk, zu einem gewissen Teil auch Justice, waren große Wegbereiter. In unseren elektronischen Produktionen steckte immer viel Seele und „Sunshine“ ist ein sehr natürliches Album. Ich bin sehr gespannt, wie es live bei euch ankommt, weil Songs wie „Come Back To Me“, „Where Are You Now?“ oder „Someday, Somewhere“ einen menschlichen Groove haben, auf den die Leute anspringen.
Ihr habt schon immer gesagt, dass ihr sehr stark von Musik aus den 60er- und 70er-Jahren beeinflusst seid – diese Einflüsse habt ihr stets mit zeitgemäßen Klängen und der modernen Technik vermischt. Ist das die Erfolgsformel von Jungle? Vergangenheit, Gegenwart und eine mögliche Zukunft zu vermischen und eins zu machen?
Das ist gut möglich. Wir lieben den Klang und das Feeling dieser alten Alben aus den früheren Jahrzehnten. Sie wurden ganz speziell aufgenommen und die Mikrofone und Verstärker waren anders als heute. Das ist nicht perfekt, aber ich liebe diese Imperfektion, wie du sie heute auf Kassette oder Vinyl hörst. Wir machen unsere Musik auf sehr moderne Art und Weise. Wir arbeiten mit Computer, Synthesizern, viel Elektronik und digitalen Audioelementen, weil uns immer wichtig war, Musik zu machen, die zu ihrer jeweiligen Zeit passt und die authentisch im Jetzt steht. Würden wir uns zu sehr an den Säulenheiligen von früher hängen, wäre das so vergilbt und nicht authentisch. Es würde nicht unsere echte Leidenschaft widerspiegeln. Die richtige Balance war uns immer ein Anliegen.
Habt ihr diese möglichen, aber nicht veröffentlichten Hits dann komplett geschrottet, oder lagern sie doch auf Festplatten in der festen Hoffnung, vielleicht kommt noch irgendwann der richtige Zeitpunkt dafür?
Wir behalten immer alles auf, denn eine Hook oder eine bestimmte Melodie kann man immer mal brauchen. Es kommt immer auf den richtigen Kontext an. Derzeit ist der Erfolgsschlüssel jedenfalls, musikalisch keinen Hits nachzujagen. Es gibt ein großartiges Zitat von Produzentenlegende Rick Rubin, das ich großartig finde. Er meinte, wenn er mit Künstlern arbeitet, wollen sie ihr jeweils zweites Album immer doppelt so üppig und doppelt so groß und doppelt so toll gestalten und das geht dann meist in die Hose, weil man sich, gedrängt vom selbstgemachten Druck, völlig übernimmt. Oft ist sogar das Songwriting gleich gut wie am Debüt, nur der Kontext überladen und falsch. Die Produktion nimmt dann dem restlichen Produkt die Ehrlichkeit. Das gilt es zu verhindern.
Du hast vorher etwas Interessantes gesagt: Wir möchten keinen Hits nachjagen. Aber haben wollt ihr sie trotzdem, logisch. Kann man sich von diesem Erfolgsdruck denn überhaupt freimachen?
Wir haben in dieser Causa sehr früh und schnell gelernt. Wir haben eine halbe Ewigkeit für unser zweites Album „For Ever“ im Jahr 2018 gebraucht. Der Erfolg des Debüts war groß und vor allem so unerwartet und fern von all unseren Erwartungen und Hoffnungen, dass uns das zu einem gewissen Teil gelähmt hat. Wir haben uns damals im Prozess des Arbeitens ein bisschen verloren, mussten erst wieder den Weg zurückfinden. Das dritte Album war dann wieder eine Rückbesinnung zum Debüt, aber ohne es zu wiederholen. Nur im Sinne dessen, dass wir wieder kalibriert und sicherer waren. Wussten, wohin die Reise gehen soll. Damals hatten wir noch mehr Angst vor Veränderung, aber wenn du das so durchziehst, dann behandelst du deine Fans schlecht. Du hältst sie für dumm. Du gehst davon aus, dass sie mit deinen Veränderungen nicht mitwachsen wollen und dass sie mit Veränderung nicht klarkommen werden. Schuld im Sinne der Anklage – das alles waren wir. Deshalb gibt es auch unheimlich viele Songs, die wir nie veröffentlicht haben. Vielleicht waren das am Papier potenzielle Hits, aber sie haben sich nicht richtig angefühlt. Nicht natürlich. Dessen muss man sich als kreative Person bewusst sein und da haben wir enorm viel dazugelernt.
Seid ihr den Erfolg und den Applaus mittlerweile gewohnt worden? Erfolgserlebnisse hattet ihr nach dem rauschhaften ersten Album in den letzten zehn Jahren jetzt doch genug …
Das ist auch in interessantes Thema, weil unsere Definition von Erfolg sich wahrscheinlich grundlegend von den Definitionen anderer Künstler unterscheiden. Wir haben uns darum geschert, als Gesichter hinter dem Projekt Jungle groß in Erscheinung zu treten oder uns selbst ständig in die Kameras zu drehen. Der Erfolg waren für uns nie Instagram-Likes. Es ging auch nie darum zu fancy Dinnerparty in irgendwelchen Palästen in Los Angeles eingeladen zu werden, wofür manch andere Künstler wahrscheinlich ihr letztes Hemd geben würden. Der größte Erfolg ist für uns, dass wir noch immer das machen können, was wir lieben und die Leute Interesse daran haben. Unsere erste Single kam vor knapp 14 Jahren raus und schon das war ein großer Erfolg. Wir mussten in diesen 14 Jahren für Jungle nie Kompromisse eingehen, waren in unserer künstlerischen Ausrichtung immer frei und unbelastet. Wir haben die Band stets als konzeptionelles Kunstprojekt gesehen und das ist sie immer noch. Ein wenig so wie bei den Gorillaz. Solange wir da sind und so weitermachen dürfen, sind wir in jedem Fall erfolgreich.
Und natürlich spielt ihr auch die allergrößten Indoor-Hallen dieses Kontinents. Ist es die perfekte Mischung, so viele Leute zu versammeln, aber trotzdem nicht so gesichtsprominent wie Justin Bieber zu sein?
Auf jeden Fall. Ich kann mühelos in den nächsten Supermarkt gehen und kein Mensch nimmt auch nur irgendwie Notiz von mir.
Wie sehr hat die 2023 zum fixen Mitglied aufgestiegene Lydia Kitto den Sound und das Wesen von Jungle geprägt?
Im Kreativprozess ist Lydia schon seit einer halben Ewigkeit ein elementarer Teil von uns. Sie war seit 2021 bei mehreren Touring-Prozessen immer wieder live dabei und wir haben sehr viele Singles und auch zwei Alben mit ihr veröffentlicht. Der Kreativprozess hat sich aus unserer Sicht nicht sehr stark verändert, weil die Evolution immer sehr leise und ruhig vonstattenging. Eine weibliche Perspektive und Energie auf unser ganzes Projekt zu haben, hat der Band aber definitiv gutgetan. Es fühlt sich ganz natürlich und gut an. Lydia ist unheimlich talentiert und wir können uns glücklich schätzen, dass sie ein so wichtiger Teil unserer Band ist und sie uns beim Wachsen hilft.
Für mich als Hörer wirkt „Sunshine“ im Direktvergleich zu „Volcano“ entspannter und lockerer. War der Aufnahmeprozess auch so relaxt, wie das Ergebnis klingt?
Ich würde sagen: ja. Wir haben sehr viel Zeit in Los Angeles verbracht und das ist dort eine ganz andere Welt als hier in London. Man lebt dort automatisch in so einer schrägen Kreativblase, die oft gar nicht so real wirkt, aber real ist. Wir alle waren stets im selben Raum, haben unsere gegenseitige Anwesenheit genossen und diese Stimmung scheint sich zum Glück auf die Songs ausgewirkt zu haben. Wir hatten großen Spaß.
„Sunshine“ als Albumtitel und Album soll auch ein bisschen dann allgemeinen Zustand von euch während des Entstehungsprozesses widerspiegeln. Ist der Albumtitel an sich eine Message gegen all das Negative, das auf der Welt gerade so passiert?
Zu einem gewissen Grad hast du recht. Als kreativer Mensch suchst du für gewöhnlich immer nach Wegen, die man im herkömmlichen nicht beschreitet oder im ersten Moment wahrnimmt. Das kann eine aggressive oder politische Message sein, aber auch eine, die mit Hoffnung und Freude verbunden ist. Dieses Album ist auf jeden Fall dazu gedacht, den Menschen eine positive Stimmung zu vermitteln. Wenn du die Nachrichten anschaust oder durch Social Media scrollst, wirst du wahnsinnig. Es ist ein nicht enden wollender Fluss an Negativität und schlimmer Meldungen - unser Ziel ist es, dass „Sunshine“ dich aus diesem Zirkel rausholen kann. Es war uns immer ein Anliegen, in dieser Art und Weise auszustrahlen, vielleicht auch ein paar schöne Momente voller Nostalgie hervorzuholen. Hoffnung ist immer besser als Verzweiflung.
Müsst ihr euch manchmal selbst zu diesem Mindset zwingen oder seid ihr an sich grundpositive Menschen? So wie ihr auch andere zum Positivismus konditionieren möchtet?
Zwingen müssen wir uns dazu nicht, wir sind schon sehr lebensbejahende Typen, die vollgepumpt sind mit Liebe, Frieden und immer die Harmonie suchen. Wir sehen die Welt in einer Art und Weise, wie sie viele Menschen gerne sehen würden. Die Menschheit ist etwas Wunderbares, aber auch etwas extrem Gefährliches. Es kommt immer darauf an, wie wir mit uns umgehen und wie wir unsere Kräfte einteilen. Wir wollen als Band eine Gemeinschaft anbieten. Einen Platz, an dem sich alle wohl und sicher fühlen können. Es ist wie eine Art prähistorische Neandertaler-Erfahrung: Tausende sich fremde Menschen in einem Raum, die aber Freude, Tränen und Spaß miteinander teilen. Solche Momente sind im Zeitalter der digitalen Verlorenheit und der digitalen Vereinsamung noch wichtiger als je zuvor.
Ihr macht zeitgemäße, moderne Musik mit einer analogen und immergültigen Message von Liebe und Verbundenheit. Möchtet ihr solche Gefühle bei euren Konzerten anbieten, die ihr selbst vielleicht bei Daft Punk hattet als Besucher?
Absolut, das trifft des Pudels Kern. Als wir Kids waren und in London auf Konzerte gingen, war die Drum&Bass- und Rave-Kultur gerade noch auf ihrem Höhepunkt. Mit meinem gefälschten Ausweis bin ich als 16-Jähriger von einem Rave zum anderen gegangen und habe die Clubkultur förmlich aufgesaugt. Josh und ich haben damals alles Mögliche gesehen, etwa die Strokes am Höhepunkt ihres Schaffens. Diese spezielle Energie, die wir an diesen Abenden fühlten, haben wir uns mitgenommen und beibehalten. Es ist für uns wie eine Form von Romantik und jetzt haben wir die große Chance, diese Romantik an andere Menschen weiterzugeben. Es fühlt sich so an, als würden wir den Kreislauf komplettieren.
Wie ist denn die Verbindung zwischen dir und Josh nach all diesen Jahren? Ihr seid gemeinsam aufgewachsen, habt die Band gegründet, ihren Durchbruch gefeiert und eigentlich alle Meilensteine und Rückschläge miteinander erlebt. Was macht das alles mit einem?
Wir leben heute verschiedene Leben. Vor 13, 14 Jahren waren wir in derselben Nachbarschaft. Wir haben in Bars gekellnert und haben jede freie Minute genützt, um im Studio abzuhängen und an Musik zu basteln. Unsere Leben haben sich verändert. Ich bin verheiratet und habe Kinder, Josh lebt in Los Angeles und hat einen völlig anderen Tagesablauf als ich. Aber das ist gut so, denn dadurch bringen wir unterschiedliche Eindrücke und Ideen an den Tisch, anstatt immer auf einer identen Schiene zu fahren. Die Band Jungle und unsere langjährige Bruderschaft verbindet uns. Wir lieben uns und die Menschen um uns herum, außerdem haben wir schon so viel zusammen erschaffen und erlebt. Ja, das sorgt manchmal auch für Spannungen, aber die sind in unserer Umgebung manchmal unerlässlich. Miteinander zu reden, zu diskutieren und anderer Meinung zu sein ist wichtig. Wir kennen und verstehen uns sehr gut, daran hat sich bei all dem nichts geändert.
Eine letzte Frage noch: Wenn ihr am 13. November eure bislang größte Österreich-Show in der Wiener Stadthalle spielt – worauf freut ihr euch am meisten?
Ich persönlich mag es, in Ruhe diese Stadt zu erkunden. Für mich als Engländer fühlt sich Wien immer so an, als würde ich in einer historischen Schokoladenbox herumlaufen. Die musikalische Historie der Stadt ist genauso atemberaubend wie seine Architektur und das Essen. Dazu noch diese Konzertsäle, die ihr habt – das ist für einen Musiker ein magisches Land. Ich bekomme von Wien nicht genug und freue mich vor allem auf einen ausladenden Spaziergang.
Live in der Wiener Stadthalle
Am 13. November präsentieren Jungle ihr neues Album „Sunshine“ und all ihre Hits aus den letzten 13 Jahren live in der Wiener Stadthalle – man darf sich auf eine Top-Show einstellen. Unter www.oeticket.com gibt es noch Karten, solange der Vorrat reicht.
